Interview mit Lorenzo Tonda

Wie bist du zu deinem jetzigen Beruf gekommen? 
Ich studierte Malerei und Freskenmalerei an der Akademie der Schönen Künste in Florenz und nahm an den zahlreichen öffentlichen Kunstprojekten teil, die von Prof. Vinciguerra gefördert wurden. Später begann ich mich für die weite Welt der 3D-Grafik zu interessieren und spürte ihre funktionalen Designvorteile gegenüber der Arbeit eines Wandmalers. In Rom hatte ich die Gelegenheit, die kreativen Möglichkeiten der klassischen Malerei in Bezug auf die neuen 3D-Technologien in Rom zu vertiefen, indem ich mit dem Künstler Nicola Verlato zusammenarbeitete. Im Jahr 2017 habe ich in Trencin, Slowakei, ein Wandbild für das Kunstmuseum der Stadt gemalt, aber mit dem Wandgemälde von San Jacopino habe ich meine Karriere als Wandmaler begonnen. 

Wie läuft die Vorbereitung eines Projekts ab? Wie lange dauert ein Projekt im Durchschnitt? 
Die Dauer des Prozesses hängt immer von den spezifischen Anforderungen des Ortes und der Wand ab. Ich kann sagen, dass bei meiner Arbeitsweise der Designteil genauso viel Zeit in Anspruch nimmt wie der ausführende Teil. Das endgültige Werk ist das Zusammenspiel dieser beiden gleichwertigen Momente: Der erste findet im Studio statt, einem sicheren Ort, an dem man experimentieren kann; während der zweite direkt an der Wand steht, mit dem Aufbau einer Baustelle und klaren Vorstellungen im Kopf. Im speziellen Fall des Wandgemäldes von San Jacopino wurde das gesamte Gemälde zuerst in 3D durch die Verwendung mehrerer Software für dreidimensionale Modellierung und Grafikdesign erstellt, einschließlich eines 3D-Scanners. Dieser ordnete die Komposition von Figuren, Lichtern und der allgemeinen Architektur bis ins kleinste Detail entsprechend dem menschlichen Blickwinkel an der Gartenmauer an. Erst wenn das Projekt festgelegt ist, einschließlich einer 1:1 Ausführungsskizze jedes Details, beginnt die Ausführungsphase. Diese Phase startet mit der Vorbereitung der Wand, oft einem allgemeinen Putz, auf dem das Design durch Schlagen der Kartons zurückgebracht und dann gestrichen wird. Die Zeit, die benötigt wird, um jede Phase korrekt abzuschließen, hängt von der Größe der Arbeit ab, aber noch mehr von der Komplexität des dargestellten Themas. Im Fall von San Jacopino mit einer Größe von etwa 50 Quadratmetern, einer großen gewölbten Kolonnade und 35 Figuren, erstreckte sich die Ausführung über einen Zeitraum von vier Monaten, von August bis November, während für die Planung eine ähnliche Arbeitszeit eingeplant wurde.

Was sind die größten Schwierigkeiten? 
Jede Phase der Arbeit bringt ihre eigenen Herausforderungen mit sich: Beim Verputzen braucht es viel körperliche Kraft, und diese Phase ist besonders wichtig für die Zukunft des Gemäldes, da hier der Untergrund festgelegt wird, an dem das Gemälde haftet. Die Übertragung der Skizzen mag auf den ersten Blick mechanisch und entspannt wirken, erfordert aber hohe Konzentration. Man muss alle notwendigen Informationen in der einfachen Linie finden, die die Formen umschreibt, um die räumliche Natur der Motive zu simulieren. Das Malen ist zwar stressig, aber auch sehr unterhaltsam; hier wird alles entschieden. In der Designphase, dem kreativen Kern des Werks, werden Ideen freigesetzt und die Kreativität wird auf eine rationale Weise gelenkt. Die Schwierigkeit in dieser Phase besteht darin, das passende Bild für die spezielle Wand zu schaffen, unter Berücksichtigung ihrer architektonischen Existenz im Raum - ihrer "Präsenz". Meine Arbeit zielt darauf ab, das Konzept des Genius loci zu stärken, die Seele des Ortes, die durch Kunst bewundert und verherrlicht werden soll.

Was war bisher dein größtes und/oder schönstes Projekt? 
Ohne Zweifel das Wandgemälde von San Jacopino, in dem ich die Ergebnisse von etwa zehn Jahren Studium im künstlerischen Bereich gut nutzen konnte. 

Was war die größte Herausforderung überhaupt? Wünschst du dir hin und wieder einen anderen Beruf?
Die größte Herausforderung besteht darin, die passenden Gelegenheiten zu finden, um die kreativen Möglichkeiten der Malerei optimal zu nutzen. Es ist schwierig, einen aufgeschlossenen Kunden zu finden, der nach Einzigartigem sucht, sich auf einen fruchtbaren Austausch mit dem Künstler und Raum für Experimente einlässt. Diese Voraussetzungen sind entscheidend, um einzigartige Kunstwerke für die jeweiligen Orte und Menschen zu schaffen. Die Schaffung einer Synergie mit dem Kunden ist unerlässlich. Trotz aller Schwierigkeiten strebe ich stets danach, bedeutende Kunstprojekte zu realisieren, die große Anstrengungen und monumentale Lösungen erfordern.

Welches Gefühl hast du, wenn ein Kunstwerk fertiggestellt ist? 
Das Gefühl nach Fertigstellung eines Kunstwerks ist wie eine Leere nach dem Unterbrechen einer Routine. Nach einer Phase intensiver Arbeit ohne Unterbrechung besteht das Risiko eines starken emotionalen Absturzes, der einen dazu zwingt, sofort wieder anzufangen und die Ambitionen zu steigern. Ehrlich gesagt, gibt es kein besseres Gefühl, als zu wissen, dass man etwas Bedeutendes für einen Ort, eine Kultur oder eine Gemeinschaft geschaffen hat. Die Bestätigung, dass die Arbeit dazu beitragen kann, Dinge zu bewegen und materiell zu verändern, ist unvergleichlich.

Wie fühlt es sich an, wenn ein Kunstwerk vollendet ist?
Nach Beendigung eines Kunstwerks entsteht eine Leere, die durch das Unterbrechen jeglicher Routine entsteht. Wenn man sich dann für längere Zeit in wiederholte Handlungen vertieft, ohne eine Pause einzulegen, riskiert man einen starken emotionalen Tiefpunkt. Das zwingt einen dazu, sofort von vorne anzufangen, was normalerweise die Ambitionen steigert. Um ehrlich zu sein, muss ich zugeben, dass es kein besseres Gefühl gibt, als zu wissen, dass man etwas Bedeutendes für einen Ort, eine Kultur oder eine Gemeinschaft geschaffen hat. Man hat ein Ereignis bestätigt, das mit seiner Anwesenheit dazu beitragen kann, die Dinge aufzurütteln und materiell zu verändern.

Wie sähe dein Traumprojekt aus, wenn du es dir aussuchen könntest?
Das ist eine schwierige Frage. Ich denke, ein Themenpark wäre eine wunderbare berufliche Perspektive, in dem Skulptur und Malerei darauf abzielen, eine idealisierte Realität zu schaffen, die den Raum vollständig einnimmt. Wenn ich an ein Äquivalent in der Kunstgeschichte denke, fällt mir der Vigeland-Park in Oslo ein, den ich bisher nicht besuchen konnte.

Was schätzt du an deinem Job am meisten?
Das Beste an meinem Job ist, dass wir uns großen technischen Herausforderungen stellen können, um einige der bedeutendsten menschlichen Probleme zu lösen. Dazu gehört auch der Versuch, die Orte, an denen wir leben, nicht nur lebenswert, sondern auch anregend für unseren Geist und unsere Augen zu gestalten.

Was bewegt dich dazu, unsere Farben zu wählen?
Keimfarben bieten eine gute Alternative zur Freskotechnik, falls diese nicht angewendet werden kann. Die trockene Anwendung erleichtert die Ausführung eines Wandgemäldes erheblich, doch die Festigkeit der kieselsäurehaltigen mineralischen Bindung mit dem darunter liegenden Putz garantiert eine unvergleichliche Stabilität und Festigkeit des Gemäldes. Auch ästhetisch betrachtet weisen Keimfarben Vorteile auf, da sie während der Trocknungsphase die klassische mineralische Bleiche erzeugen. Diese macht die Schattierungen des Gemäldes weicher, perfekt für einen städtischen Kunstkontext, in dem übermäßig leuchtende Farben mit der Natur kollidieren könnten. In einem Gartenkontext erweist sich der zarte Glanz der Erdtöne, der Blau- und Rottöne, die die Wand nicht sättigen, als entscheidender Faktor für die Harmonisierung des Werkes mit der gesamten Umgebung.

Was ist dein Lieblingsprodukt von KEIM? 
Bisher habe ich nur mit der KEIM Soldalit gearbeitet, aber ich würde gerne die KEIM Design-Lasur ausprobieren, um eine transparentere Optik zu erhalten.